CRITIQUE

La journée folle de musique

Cet ouvrage de génie, Mozart l’a essentiellement construit sur les scènes d’ensemble. Certes, les grands et beaux airs y témoignent d’une sensibilité et d’un sens musical uniques, mais comment ne pas s’émerveiller de l’intelligence, de l’astuce, de l’inspiration, de la créativité dont bénéficient ces duos, ces quatuors, jusqu’à ces scènes finales agencées comme de sublimes mécaniques.
C’est précisément la qualité des ensembles qui constitue l’attrait essentiel de la production actuelle. Et à cela contribuent à égalité la mise en scène et la direction musicale.

Fidélité et vitalité

Conçue par le Suisse Marco Arturo Marelli, qui se charge également des décors, cette vision scénique se veut avant tout fidèle à la trame dramatique des compères Beaumarchais-Da Ponte-Mozart. L’action ne se déroule donc ni dans une usine désaffectée, ni dans un asile psychiatrique, mais tout simplement dans le château du Comte Almaviva, au 18ème siècle. La beauté poétique des éclairages de Friedrich Eggert (notamment dans la chambre de la Comtesse), celle des costumes raffinés de Dagmar Niefind, viennent harmonieusement compléter la vitalité, l’animation qui règne sur un plateau pris par la frénésie de cette « folle journée ». De véritables relations, dramatiques et/ou comiques, s’instaurent entre les personnages. Les femmes sont ici les maîtresses du jeu. Et les hommes en subissent les conséquences. Jusqu’à cet évanouissement hilarant de Figaro lorsqu’il apprend sa propre filiation…

La direction musicale du chef italien Marco Armiliato, un habitué de la Ville rose, insuffle à la partition cette vitalité bouillonnante basée sur une musicalité parfaite. Vibrato discret aux cordes, beaux phrasés des bois (quelles belles couleurs de la clarinette, du hautbois et du basson !), variété des climats, de la nostalgie profonde à la farce débridée. Mozart lui convient à l’évidence aussi bien que Verdi ou Puccini. La qualité de l’accompagnement des récitatifs au pianoforte et au violoncelle constitue l’élément moteur de l’action. Un grand bravo à l’intelligence musicale de Robert Gonella, au clavier, dont le jeu fourmille d’inventions et de finesse.

L'esprit de troupe

La distribution vocale, par son homogénéité et sa cohésion, évoque l’esprit de troupe théâtrale. Aucun des grands chanteurs réunis ici ne tire la couverture à soi. Le couple Susanna-Figaro fait des merveilles. Anne-Catherine Gillet est Susanna, la fraîcheur de son timbre fruité, la sensibilité de son chant la destinent à un tel rôle. Le jeune baryton-basse Alex Esposito projette avec intensité une voix solide et intelligemment menée. Il endosse avec panache et sensibilité toutes les nuances du caractère de Figaro. Andrew Schoeder incarne un Comte Almaviva complexe et tourmenté. La richesse de son timbre vocal, la musicalité de son chant, son étonnant talent d’acteur construisent un personnage fouillé et profondément convaincant.
L’ampleur vocale de Ricarda Merbeth dépasse à l’évidence celle que requiert le rôle de la Comtesse. La cantatrice impose ainsi une incarnation plus dramatique qu’il n’est coutume, mais à laquelle elle confère un raffinement certain. Quant au Cherubino de Blandine Staskiewicz, il reste vraisemblable de bout en bout, adolescent un peu perdu dans un monde d’adultes.
Le couple Marcellina-Bartolo, particulièrement bien chantant, de Daniela Mazzucato et Luciano di Pasquale, le Basilio sonore et intrigant de Rodolphe Briand, l’Antonio bien en voix de Frédéric Caton et le Curzio irrésistible de Riccardo Cassinelli complètent (presque) une distribution irréprochable qu’accompagne le chœur de la maison, toujours impeccablement mené par Patrick-Marie Aubert.
Reste la Barberina de luxe d’Amel Brahim-Djelloul, belle à croquer, fraîche de voix et de jeu, que l’on se réjouit de voir endosser la tenue de Susanna, dans la deuxième distribution de cette production chaleureuse et bienvenue.